今日的西湖，秋风荡漾，在丰富多彩的山水画中折射出美丽的色彩；
如今的孤山，秋韵漫天，在充满活力的书法线条上洒满桂香；
如今的西陵，秋光漫山遍野，将西陵百年的人文文化铭刻在石印上；
此时此刻，朱培尔这个擅长篆刻、书法、绘画的“西泠印社人”正默默地加入古人、今人、后人的行列。
1
书画篆刻绿意盎然
元素的积聚既是森林又是善良，绿色的积聚也是郁郁葱葱。
温心闲聊，道脉开始细流。
面容深情，四面环水，四面环山；心是密不可分的，是人与人相传的——
西湖孤山，是印刷界优秀人士和同仁的家园，同心同德。西泠印社秉承“保存金石学、研究篆学、书画”的宗旨，以传承和弘扬金石书画为己任，主办“西泠印社书画展”。由会长兼秘书长陈振联题写的《——朱培尔大师书画篆刻作品》在桂花香中在西湖边的孤山上开幕。
漫步展厅，我们看到，展出的124件书法、篆刻、国画、印拓作品中，有50件被捐赠给西泠印社永久收藏，全面展示了西泠印的人印风格。社会。也表达了朱佩儿对印社的深厚感情。
作为西泠印社会员，朱培尔集书法、绘画、篆刻、理论、杂志编辑于一体，体现了西泠印社成立以来所倡导的博雅精神。他将个人的生活经历、情感体验、思想语境融入到对书画篆刻本体论的理解中，试图探索中国传统艺术现代进程中坚实的内在存在路径。
形象强烈而有力。 —— 看看那个。《秋光泉声图》 《西岭春云图》 《山人观云图》.朱培尔的山水画凭借他的书法功底，奔放不羁。其题材与黄公望、倪瓒、吴昌硕、黄宾虹等人的题材相似。与其他的不同，它既有传统文人画的独特韵味，又具有融古创新的风格。
仔细阅读，你会发现朱培尔写意山水画的最高境界应该是把灵魂融入自然，自然地表现出来。这是一种生命的寄托，也是一个寻找自己独特的山水画语言和程序的过程。 ——是你心中的某个时刻，景观与宇宙意识的综合体凝固；这是你与风景对话中对原始状态的升华。
细细品味，朱贝尔的山水画，无论是粗笔还是细笔，干笔还是湿笔，都仿佛在写书法。也正是因为这个原因，他的画并不流畅、呆板，都是生动的形象。 ——幅画面中，山石草木木屋溪流都以流动的线条应运而生，呈现出各种由心所造的姿态和场景。图片。
太令人欣慰了！朱培儿山水画的写意精神与他的家乡倪云林相似，诗、书、画融为一体。就像一座雾中山，显得并不雄伟。然而，人们可以从他的图案中发现绘画的意义和画家的灵魂。
飘逸、质朴、质朴、天真——看那《行书手卷》 《草书诗册》 《篆书八言联》.朱培尔的书法源于传统，强调创意，富于变化，符合时代，强调表达和揭示他没有追求现代书法的抽象性和模糊性，而是逐渐形成了一种既富有个性又完全符合时代气息的新书法语言。
在朱佩尔的书法中，首先看到的是气质。个性强烈的线条，其随意性和自然性往往出乎意料，而其清新和优雅往往具有相反的含义。他将各种对立的线性元素汇集在一起，形成了Jubel充满哲学内涵的线条，这也是一条融合传统并赋予其新生命的线条。
看提、勾，虽与前人不一样，但仍能感受到晋人浓郁的魅力，有一种神秘的回味；还可以感受到宋人浓浓的意蕴，解放思想，表达自己的气质。是自我世界的表达。
“在某些作品中，线条的形式意义似乎更强。”朱佩尔认为，这就是传统的力量，他想摆脱也摆脱不了，想隐藏也隐藏不了。然而，这是他自己的，这是书法家中的一位。 —— 每一条线条，无论是伸展、收缩还是摆动，都充满了形式和节奏的变化。
例如，在同一件作品中，朱培尔有时追求线条的内敛，有时又追求线条的生长，以达到一种空灵、大气的状态。
比如写字时的运笔角度、笔尖的前侧、运笔的快慢、提按等，最后在图片上体现出来的是什么呢？是一一相反的符号。
比如，如果你仔细欣赏线条中的对立元素，总能在极端的条件下达到一定的和谐，就像山水尽头能看到暗柳暗花，又能看到炽热的火焰一样。冰雪中的火。
欣赏朱佩尔的作品时，你总会感受到一种原始的张力。
“原始艺术保持了人类思维的原始状态，它是生活中最真实的东西，也是当代人所追求和把握却又难以触及和实现的。”朱培尔坦言，书法自汉代以来，已历魏、金、唐、宋、元、明各朝代。清代的发展不仅包括不同风格作品的积累，也包括规律的积累，观念的层层积累。
“艺术家创造力最深层的源泉就是这种无处不在的原生状态，它使得艺术家的作品才有可能拥有前所未有的、神秘的、生生不息的创作意义。”朱佩尔理想中的“新意象”是艺术家从“原始状态”中瞬间觉醒的声音。这是一种前所未见的全新的精神体验。
事实上，历史对我们来说是一种负担。如果做得不好，甚至会成为负担、绊脚石！为什么？数千年的积淀，丰沛如山。山高耸立，挡住了去路，也挡住了阳光。
刚毅刚毅，抒情婉约——你看那《天下为公》 《性起之法》 《悟彻者》……朱培儿篆刻原石所透露出的损伤与肌理之美，让人感受到：时间的变迁和岁月的变迁。空间的变化。距离，远古的回响。
人们惊喜不已！朱贝尔线条的优点不仅仅限于书法。篆刻只不过是用硬刀代替软笔而已。由于工具的变化，他的篆刻线条变得更加有力，但中国式的意趣之美和充满哲理的韵律变化却与他的书法一脉相承。
人们惊叹不已！相比书法，朱培儿更喜欢篆刻。坚硬的刀给他带来了清爽和质朴。他省略了一些用笔形成的细节，线条更加雄伟、阳刚而不失空间。灵感。
你看，对于古代印章来说，斑驳的外观、残缺的变化，都是时间赋予空间的变化造成的。
你看，碎片化和质感不仅仅是线条和构图的补充。其美感如同印象派的光芒，神秘、朦胧，充满表现张力。这种张力是古典作品所不具备的。
你看，即使是篆刻中的人为碎片，也是篆刻创作过程中某个动作的凝结。虽然是短暂的、局部的，但显然与时间和空间有着密切的联系。这是我们原来的篆刻美学中很少关注或者根本没有关注的。没有人注意到。
“篆刻没有思想，技艺再高超也没用。”朱培尔觉得，对于篆刻者来说，最大的智慧应该体现在对印面意境的探索，以及在篆刻过程中对内容、石头、材料的理解。在篆刻过程中，每一道工序都启发下一道工序，将思想情感融为一体，发挥潜意识。
朱培儿坚信，篆刻一定是篆书，一定是用刀刻出来的。但透过框架与封面的破损，我们能隐约感受到树上鸟儿的鸣叫，枝叶在风中的交错，以及庭院里鸟儿飞来飞去的模糊景象。小鸟……多么美妙啊！
环顾展厅，我们可以看到朱培尔的篆刻、书法、绘画创作的共同点是都非常注重艺术形象的塑造，善于创造个体线条，更注重作品整体的追求。建模，并把所有的心思都放在新材料的使用上。丰富的艺术语言，具有一定的张力，充分表达一个人深刻的精神感受。
“这次展览可以算是对近期创作的回顾。”朱培尔解释道：所谓“积翠”，原本是他在绘画中希望达到的方向。其实现在看来，也是书法篆刻的一个方向。这种追求毕竟是包容性的。
朱培尔是一位非常重视艺术形象创作的艺术创作者。其艺术作品主要表现在篆刻、书法、绘画三个方面。正是通过这三种并不完全相同但却密切相关的艺术语言，他默默地传达着内心的无限变化。
目睹捐赠的过程令人心潮澎湃。
上午，西泠人民“立德树人”的传统在中国印艺馆——再次展现。朱培尔的捐赠无疑是西泠印社“爱社会如家”精神的又一次诠释和实践。并做出无私贡献”好。
庚子之秋，孤山之上，笔墨迷人，翠绿……
2
书香世家，无师自通
这是异乡重逢老友的兴奋，是旧情重燃的怀念。时至今日，此时的朱佩尔对艺术的热爱和珍惜，一定会比以前更深、更到位。
这是多么大的祝福啊！朱佩尔坦言，那是一段极其美好的时光。书法、绘画、印刷的学习和创作几乎占据了他全部的业余时间和青春年华。
“在书法界，像我这样出生于20世纪60年代初、成长于1980、90年代的人几乎都有类似的经历。他们大多没有书法篆刻班的背景，几乎不可能有班级背景。”朱培尔说，20世纪70年代末，就连浙江美术学院（现中国美术学院）也才开始招收书法专业的研究生。严格来说，导师和招收的研究生根本不“专业”。
一种机会，一种运气。
那是1969年的冬天，朱培尔一家被下放到苏北。用来包装碗和瓷器的物品是他的祖先在“四旧”之后留下的图画。 1971年前后，朱培尔开始跟随知青哥哥练习书法。
写什么？
当时有一本《怎样写好新魏体》的小册子。如果你写得好，出版黑板报的时候就有机会去文化站帮忙，不用上班。因此，当时能写新魏体的人很多。惊人的。
就在1974年，朱佩尔上中学的时候，初中的美术老师也能写新魏体了。 “而且是空心的。我很羡慕。他还会写隶书。”朱佩尔在课堂上看到老师在黑板上写字，很高兴。也是用“隶书”写的。
“翘屁股的字，其实是书法。”朱佩儿觉得很有趣、很有趣。那个时候，如果有机会遇到一个懂一点书法的老师，得到一本字帖，哪怕是残缺不全的，那也是一件很幸福的事情了。
年轻的朱佩尔对此感到兴奋和激动。
1978年高考，朱培公社有700多人参加考试。 “我骑着车去几十公里外的考场，参加考试的队伍非常庞大，排了好几公里。三天的考试期间，我吃住的都得靠近考场。炎热、蚊虫、艰辛和心理折磨是难以用言语形容的。
“第一批录取了三个人，我就是其中之一。”朱佩儿高兴得像“鲤鱼跃龙门”。
我去上海读书的时候，身边正好有几个同学也有刻画、写字的小爱好，所以就干脆互相切磋。 “虽然现在看来很肤浅，但无形中增强了我对绘画、书法、篆刻的热情。”最后，没有人不玩了，只有朱佩尔坚持了下来，而且他坚持到了今天。
“我从来没有当过老师，不是我不想当老师，而是我没有机会，也没有条件。”朱佩尔从小就被送到上海。虽然后来他去了上海读书，但他身边也有几个同学喜欢书法和绘画，但充其量也只是一般的爱好。就这样。
朱培尔回忆：当时上海已创刊《书法》杂志。当时上海的书法篆刻占半壁江山，涌现出一大批著名艺术家：陆俨少、谢稚柳、程十发、唐韵、朱屺瞻、刘丹斋、胡文遂、翁开云、樱野萍、赵冷月等，还有小周惠君、韩天恒都是朱同伴的偶像。
“我不是不想认识他们，我才16岁，脸皮薄，性格也比较内向。”对于突然能够从苏北偏远农村参加高考，然后去上海五光十色的世界读书的朱佩儿来说，即将毕业的我对社会还很茫然。
“好在我的曾祖父朱熹是光绪时期无锡的画家，1969年我家就用他在宣纸、毛边纸上画的画来包装锅碗瓢盆。”当时朱佩尔只有7岁。
后来，朱贝尔会把这些撕碎的字画展开，用浆糊粘在报纸上。这才是最“真实”的“取景”！然后把它挂在墙上看一下。上面这位女士是单眼皮。朱佩儿会用画笔加画，打造双眼皮。模特剧看多了，他知道双眼皮的李铁梅才是美女。
“我的父亲朱石松和哥哥朱培虽然是学习书画篆刻的门外汉，但他们对我的书画篆刻却给予了很大的帮助和影响，也许这和遗传有关。”朱培尔16岁到上海读书，父亲教会了他很多。书画上的鼓励和引导可以说是促进他成长最重要的因素。
“父亲的诗集后面有一套他晚年写给我的信。一开始我并不懂得珍惜父亲的信，每次搬家、换工作，我都失去了这份信。”自从我1978年上大学以来，他平均每周一封信，频率从饮食要求到身体保健，从学习、工作到生活，从对过去的书画的感悟到事物。学习过程中需要注意什么等等。”朱佩儿遗憾地说，如果可以挽救的话。下来的话，你就可以发表一封《傅雷家书》几倍大小的家书了。
朱培尔记得，那是1980年的夏天，他的“画”被父亲带到当地的美术馆给“专家”看。我当时自我感觉非常好，对牧童吹短笛、放牛的主题感到非常自豪，就像当时流行的台湾歌曲《走在乡间的小路上》中的场景一样。
“所以今天的成绩和我父亲的教诲是分不开的。我第一次接触《红楼梦》 《三国演义》 《水浒传》 《封神榜》是在1970年代初期，当时我们下放到苏北。我父亲会说几句一天几个小时。”朱培儿的父亲记忆力很好。这些名著的重要章节他几乎都能背下来。他连西汉桓公的《盐铁论》都能背，而且还能唱。
早在1981年夏天，朱佩尔就毕业到镇江工作了。当时，市书法协会、群艺馆、工人文化宫虽然简陋，但确实能起到普及和提高的作用。
“工厂在远郊，进城不太方便。”朱佩尔无意中带着勇气参加了几次活动，居然把他当成“人才”培养，所以现在每次回到镇江都感觉更加亲切。
“从那时起，我在学习书法、绘画、篆刻的同时，就更多地接触艺术理论，根据自己的兴趣阅读书籍，学习写一些论文。我可能没有一个非常严格的学习计划。但我现在读的书是密不可分的。 “如《苏轼全集》 《唐诗》 《宋词》 《元曲》 《艺概》以及朱光潜、宗白华等人的作品，以及丹纳的《艺术哲学》。图像分析、康定斯基的点、线、面以及弗洛伊德的心理分析等西方文艺理论我也是从那时开始接触的。
第一的！这是朱佩儿人生迄今为止最大的转折点。 1994年，他离开镇江北上，被借调到《中国书法》杂志社工作。
一次又一次的超越，一次又一次的突破，一次又一次的重生。
“超越是一个很时髦的词，说起来容易，但做起来绝对不容易。”朱培尔集书法、绘画、篆刻、理论和专业杂志编辑于一体的创作，正是体现了对中国传统艺术现代化探索的尝试。在追求坚实的“内在逻辑”的过程中，他将个人的生活经历、情感体验、思想语境融入到对书法篆刻本体的理解中。
如果你读过朱佩尔的艺术论文，读过他对艺术现象深入、细致、直接的分析，你就会知道，他并不是那种不羁、不羁的名人，而是一位理性、务实的艺术家。
如果你明白了这一点，你就不会简单地将皮尔的艺术风格归因于他本身的艺术家，或者粗略地归因于他的禅宗思想。这些话虽好，但不足以揭示皮尔的艺术思想和艺术价值。
庚子之秋，孤山之上，笔墨迷人，翠绿……
3
继承传承、释前推新
桂花月落月中，香云飘外。
那天，恰逢西泠印社会员的例行活动日。充满文人气息的西泠印社以“秋”为主题，用肉桂赋予西泠印社成员一种独特的打开秋天的方式。
金石篆刻的交流是社区成员之间永恒的主题。当天，集结了吴让之、赵之谦、黄士龄、吴昌硕等近代大师的精品佳作，每一寸每一寸都流淌着万千景物，着实让人爱不释手。
孤山桂花开；庵里有香味。
回望湖面，青山白云缭绕。在孤山环谱经录中，朱培尔还结合自己的创作，生动地向会员们讲述了书画篆刻创作中需要面对的现实问题。
西湖、孤山，是文人墨客吟咏的地方，是处女英雄出没的地方，是中华人文精神交融、传承、演绎、继往开来的地方。 ——西泠印社一向兼具较高的艺术水准：独立自主、思想自由的精神。
作为一名作家，朱贝尔经常问自己：书法的目的是什么？它不仅仅是表达内容，更是超越内容。这就是书法的意义。朱培尔说，他的“抒情”是从书法开始，进而延伸到绘画、篆刻、诗歌等与写作有关的方面。
那么，什么是书法韵呢？
韵更像是音乐，韵就像上等沉香散发出的香气。它会在不经意间感染你，拨动你的心弦，激发你的情怀。之所以说书法的最高境界是王羲之，是因为以他为代表的晋代“韵”书法远远高于后来的所谓“法”、“意”、“境界”等书法形式。
作为书法篆刻领域的先驱，朱培尔可以说是最早出道的篆刻家之一。他的篆刻源于秦印，传入汉印。他将古今融为一体，自成一体。他随心所欲，来自自然。赢得了众多篆刻艺术家的声誉。
那么，篆刻能有意境吗？
“我关注的作品，不管是传统的还是现代的，写意的还是工整的，精致的还是奔放的，不管是如何表达和呈现的。”朱佩尔更注重魅力，这实际上是一种无孔不入的状态，一种独特的穿透力和感染力。
篆刻的美观也是如此。无论是强调形式、剑法、篆书的精炼，还是所谓印刷之外的印的追求，其实强调的都是合法性或者简单的利益表达。
多年来，朱培尔在雕刻过程中一直淡化这种“方法”和简单的“意义”，并不太刻意追求能够获得动力的“状态”的变化。相反，他强调随机生长，强调创作过程中金石的韵律，强调内心深处的潜意识表达，强调由此产生的魅力。
“此外，我在雕刻过程中也会有意识地创造必要的碎片和纹理。”朱培尔直言不讳地说，因为“碎片”和“质感”可以说是篆刻艺术中唯一能够在人身上塑造形象的东西。方法和技巧，它能给线条和块增添一种不可预知的神秘变化。同时，还可以有意识地留下不同大小的空白或红色，使刀操作过程中的单一动作和一点点灵感可以成为一种习惯，成为一种无法重复或重复的具体表现。
朱佩儿追求的就是这样的境界！一个艺术家只有当他的作品像烟草的香味一样传达到人们的灵魂深处和神经末梢，使之融为一体时，才算真正的创作。
“我自信我的篆刻表达了现代性。20多年前，庄天明就说我的篆刻创作很接近摇滚乐。当时我觉得这个比喻很奇怪。现在看来，庄天明是不愧为批评家，他具有超前的预感和审美能力。”在朱锫的篆刻中，即使其中一条线条很弱，与其他线条相比，当弱线条有机地衬托着强线条时，效果会更好。”“弱点”已经升华为一种艺术表现。
也许，正是这种比较以及创作过程中瞬间冲动的强调和表达，可能与现代摇滚有一些共同之处。
喜欢朱俪儿篆刻的人很容易发现，他注重速度是他的独特之处。他还喜欢李白诗中的“一日千里到江”、“飞流落三千尺”等速度和直接。怎么能说风格和速度没有内涵呢？
其实，剑术中的快与慢、动与静、快与涩、隐与露等都是相对的概念。慢并不代表有重量，快也不代表没有微妙。重要的是在快中表达快的内涵和魅力。对于缓慢来说也是如此。
事实上，速度和敏捷才是中国篆刻艺术所追求的。明清篆刻流派在阐释剑法时并不强调缓慢。他们大多强调剑法的流畅，而流畅显然更接近快速。
因此，篆刻中的快的意义比书画中的快更具有实用性和审美性。
“我现在面临的最大问题是：如何在创作过程中将我所追求的东西始终如一地体现在每一个方格、每一条线条、每一个汉字中。” —— 那种速度感，那种直接、迅捷，刀与石在快速运动中碰撞所产生的变化，让它们成为一种意味深长的审美表达。
所以，我们只能用我们最新、最好的创作来体现我们新的超越和突破，体现我们对篆刻、绘画、书法不同于以往的最新看法，展现我们作品中最动人的一面。只有这样，用自己升级的作品来占领以前的“烂”作品，才是中年书法家、篆刻家可持续发展的必由之路。
空楼临深渊，鱼水清清。
在门槛上抚摸了一会儿，郝普福就已经远去。
在西湖北岸的南浦，孤山楼前的亭子旁，丁景深老师笔下的倚楼临水的风景已经渐渐变得模糊。然而，当我们再次踏上西泠印社旧址的时候，我们就能以一颗会心的心来赏墨，敬贤敬风，我也相信可口可乐。
庚子之秋，孤山之上，笔墨迷人，翠绿……
朱佩尔
1962年生于江苏无锡。编辑、一级美术师。《中国书法》杂志社社长、主编，《中国书法报》社长、主编，中国书法家协会理事、篆刻专业委员会秘书长、西泠印社理事、中国批评家协会理事。
曾担任全国书法篆刻艺术展、中青年书法篆刻家作品展、全国篆刻艺术展、当代篆刻艺术展等多个展览的评委。
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用户评论
好美的景色啊，朱佩儿和湖水青山白云真是绝配！
有5位网友表示赞同！
这景色太美了，让人心旷神怡，朱佩儿站在那里，简直就是画中人。
有8位网友表示赞同！
朱佩儿，回望湖水，青山白云，一幅美丽的画卷！
有5位网友表示赞同！
朱佩儿的背影，湖水青山，构成了一幅绝美的风景。
有13位网友表示赞同！
好想和朱佩儿一起去欣赏这美景啊！
有7位网友表示赞同！
朱佩儿，这景色太美了，让人流连忘返。
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朱佩儿，好美的风景，让人心醉！
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这景色真美，朱佩儿和青山白云，相映成趣。
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朱佩儿，回望湖水，青山白云，美不胜收！
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朱佩儿的回眸，湖水的倒影，青山白云，美轮美奂！
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朱佩儿站在那里，仿佛与湖水青山融为一体。
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朱佩儿，这景色太美了，让人忍不住想要留住这美好瞬间。
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朱佩儿，青山白云，湖水，都是那么的美丽！
有14位网友表示赞同！
朱佩儿，回望湖水，青山白云，让人心生向往！
有5位网友表示赞同！
好美的景色啊，朱佩儿站在那里，真像仙女下凡。
有11位网友表示赞同！
朱佩儿，这景色太美了，让人忍不住想要诗情画意。
有15位网友表示赞同！
朱佩儿，回望湖水，青山白云，构成了一幅美丽的风景画。
有20位网友表示赞同！
朱佩儿，这景色太美了，让人心旷神怡。
有13位网友表示赞同！
朱佩儿，青山白云，湖水，都是那么的宁静祥和。
有6位网友表示赞同！
朱佩儿，这景色太美了，让人仿佛置身于世外桃源。
有17位网友表示赞同！